Con dos exposiciones abre sus puertas el FotoMuseo Cuatro Caminos

El FotoMuseo Cuatro Caminos (FM4C), ubicada en la zona que fue una antigua fábrica de plásticos, es el nuevo espacio para la exhibición, análisis y difusión de la fotografía mexicana, el cual abrirá sus puertas al público el próximo martes 8 de septiembre con dos exposiciones: Todo por ver y El estado de las cosas.

En conferencia de prensa, el fundador de este proyecto, Pedro Meyer, indicó que el FotoMuseo Cuatro Caminos no se concibió para competir con otros espacios de fotografía, sino que aspira a ser distinto para que la oferta al público “sume”, por lo cual él y su equipo de trabajo “no tienen interés ni el concepto de naturaleza competitiva, sino crear sinergias”.

María Guadalupe Lara, directora del espacio museístico, materializado a través de fondos privados de la Fundación Pedro Meyer y un apoyo económico del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta), expuso que este proyecto quiere darle a la fotografía el lugar que merece; fue ideado como espacio abierto a la discusión, reflexión y propuestas, donde los asistentes tengan muchas y diferentes experiencias y no sólo se vean exposiciones de forma pasiva.

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Conoce el Foto Museo Cuatro Caminos

Después de ser uno de los puntos con menor oferta de actividades culturales en la Zona Metropolitana, el municipio de Naucalpan recibe tres grandes proyectos que darán un cambio radical, tanto en la arquitectura, como en la forma de vida de sus más de 3 millones de habitantes. Uno de ellos resulta de suma importancia y es al que se le dedica este espacio: el Foto Museo Cuatro Caminos, el cual será un parte aguas en la comunidad cultural.

Los padres del fotógrafo Pedro Meyer, fueron los dueños de este lugar. Entonces funcionaba como una fábrica de plástico.

«Por aquí no había nada, ni calle, ni teléfono, ni corriente eléctrica,  nada”, recuerda Pedro, actual acreedor al premio Lucie Awards.»

Después de ser abandonada, la fábrica se imaginó como un espacio que se dedicara a la educación y fungiera como un museo de fotografía. “Naucalpan ha perdido inicial vocación industrial. En el trayecto de estos años, esto se transformó completamente. Y es curioso, porque hoy en día no se ha definido bien, se transformó de industrial a no sé qué, porque aún hay muchas bodegas vacías  en esta zona. Pero ahora que se está pensando en este centro comercial que será de los más grandes de la Ciudad de México, y el nuevo paradero, habrá una transformación regional», destacó.

“Con el conocimiento de esto, se me hizo interesante, este espacio (la fábrica) dedicarlo algo que siempre me ha parecido importante: la educación. Este museo está dedicado a la fotografía, pero como un medio que aportará a la educación de  México”, mencionó Pedro Meyer.

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El CMF una mirada documental al país

Por Emiliano Balerini Casal

En los años setenta México vivía en medio de la convulsión: la Revolución cubana de 1959, el movimiento estudiantil de 1968, el Halconazo de 1971, la llegada de Luis Echeverría a la Presidencia de la República en 1970 y las guerrillas tanto urbanas como agrarias de la época despertaron una generación de jóvenes que mostraron su descontento en la política y en el arte.

La fotografía no escapó a los cambios de la época. Dos de los primeros esfuerzos que se realizaron formalmente con el objetivo de profesionalizar esta disciplina fueron, primero, la publicación que Siglo XXI Editores hizo de los libros de Pablo Gasparini y Enrique Bostelman sobre la realidad latinoamericana.

Segundo, en esa misma década Paulina Lavista expuso su obra en el Palacio de Bellas Artes, Pedro Meyer tuvo una de sus mayores muestras en el Instituto Nabor Carrillo, Nacho López y Héctor Mendoza se presentaron en la galería José Clemente Orozco y, en 1975, Manuel Álvarez Bravo recibió el Premio Nacional de Arte.

En febrero de 1976, el Salón de la Plástica Mexicana de la Ciudad de México inauguró una magna exposición con la obra de Nacho López, Héctor García, Paulina Lavista, Aníbal Angulo, Walter Reuters, Antonio Reinoso, Enrique Bostelman, Graciela Iturbide, Colette Urbajtel y Manuel Álvarez Bravo.

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Presenta el Jardín de las Esculturas tres propuestas pictóricas

Esta noche, en punto de las 20 horas, en el Jardín de las Esculturas del IVEC se inauguran tres propuestas artísticas: Exposición Gráfica Colectiva, El Cuerpo territorio, violencia e identidad; Chaco. Pintura Expandida, y Yo no voy a ningún lado, las que permanecerán en exposición hasta el 18 de marzo próximo.

En la primera muestra se cuenta con la participación de artistas de la lente como Elivet Aguilar, Francisco Mata Rosas, Fernando Brito, Patricia Aridjis, Fernando Montiel Klint, Luis Arturo Aguirre, Federico Gama, Ernesto Ramírez, Abel Gastón Saldaña, Pedro Meyer, José Luis Cuevas y Bruno Bressani, quienes capturan 21 estampas que reflejan el concepto múltiple del cuerpo, que si bien remite a una unidad concreta, se encuentra cruzado por una multiplicidad de sentidos que en ningún caso agotan aquella especificidad material a la que siempre se encuentra referido.

En ésta, resulta visible apreciar cómo los cuerpos aquí reunidos dan expresión al conjunto de dimensiones que hemos intentado prolongar: a ratos es territorio y límite; lugar de identidad y experimentación; diálogo entre el cuerpo de uno y el cuerpo de los otros; frontera entre la vida y la muerte.

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Reúnen en Nueva York la obra de grandes fotógrafos de América Latina

Maestros de la fotografía latinoamericana como Pedro Meyer, Graciela Iturbide, Lourdes Grobet, Bárbara Brandli, Paolo Gasparini, Alberto Korda, Horacio Coppola y Miguel Ángel Rojas forman parte de la exposición Urbes mutantes: fotografía latinoamericana 1944-2013, que se exhibirá del 16 de mayo al 7 de septiembre en el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York.

La muestra refleja la vida nocturna, la cultura popular, los rostros de la pobreza y los movimientos de masas y protestas políticas en Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Cuba, México, Perú y Venezuela. Se trata de diversas miradas sobre los cambios arquitectónicos, culturales y sociales que vivieron las ciudades latinoamericanas en la segunda mitad del s. XX.

La mayoría de los trabajos fotográficos abarcan de 1950 a 1980. Sin embargo, la curaduría a cargo del francés Alexis Fabry, permite conocer cómo las ciudades del continente americano han sido imaginadas, se explica en el portal de Internet del Centro Internacional de Fotografía.

Personajes solitarios y multitudes

Las más de 200 imágenes provienen de la colección privada de Stanislas y Leticia Poniatowski, que cuenta con una importante selección a partir de la investigación de archivos y visitas a talleres de artistas contemporáneos, así como de los pioneros de la fotografía en América Latina.

Para Fabry, curador invitado de la exposición, las imágenes en el siglo XX fueron tan importantes como las historias de justicia, democracia y libertad que formaron a las naciones latinoamericanas.

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Revisan la estirpe de la foto: Luna Córnea ofrece una serie de pistas sobre los últimos 30 años de producción fotográfica

En el número 214 de la calle Tehuantepec, en la colonia Roma, un grupo de fotógrafos hizo de una casa habitación la primera plataforma para la profesionalización de la imagen  a finales de la década de los 70 del siglo pasado, no sólo como objeto documental, sino como creación artística.

Se trató de la llamada “Casa de la Fotografía” concebida como sede del Consejo Mexicano de la Fotografía, con artistas como Pedro Meyer, Lázaro Blanco y Patricia Mendoza.

Con sólo una década de vida, el espacio se convirtió en el principal antecedente de la foto contemporánea, incluso en la semilla fundadora del Centro de la Imagen (CI), al generar los primeros encuentros y proyectos editoriales a escala latinoamericana, en los que la instantánea representó el papel protagónico.

Por ello, revisar su archivo, que heredó íntegro al CI, es trazar una genealogía de la imagen, asegura en entrevista Alfonso Morales, quien tomó la trayectoria de esta casa como eje conductor de una investigación sobre el pasado reciente de la imagen, que se despliega en la revista Luna Córnea, titulada “Viajes al Centro de la Imagen II”.

A partir de la cronología de las exposiciones en esta casa, la revista editada por el Centro de la Imagen ofrece, más que una monografía, una serie de pistas sobre los últimos 30 años de producción fotográfica que ayudan a entender en gran medida lo que hoy sucede en la instantánea, incluso en su versión digital.

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Luna Córnea 2. Nuevas tecnologías, disponible en línea

La discusión en torno a los nuevos lenguajes que utiliza hoy en día la fotografía, da pie a este número de Luna Córnea, que combina imágenes del sorprendente y poco conocido fotógrafo mexicano de los años veinte, Agustín Jiménez, con fotos digitalizadas de Pedro Meyer y con imágenes construidas de artistas como Gerardo Suter, Pablo Ortiz Monasterio y Salvador Lutteroth.

Abre el número un texto de Paul Virilio sobre la fotografía de guerra, al que le sigue un ensayo del investigador y semiólogo Raymundo Mier: «Fotografía y desaparición». Además, este segundo número de Luna Córnea aborda el trabajo fotográfico de la artista francesa Claude Cahun, autora de una serie de autorretratos y fotomontajes, que aún hoy, más de sesenta años después de haber sido creados, sorprenden por su modernidad y poder inventivo.

Esta segunda edición de Luna Córnea alude a las nuevas tecnologías, pero las articula con las vanguardias históricas; de ahí la inclusión del texto de Andrés de Luna sobre la vanguardia alemana de los años veinte.

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– Luna Córnea 2. Nuevas tecnologías (Conaculta, Centro de la Imagen, 1993). Agotado

Reflexionan el auge de la cultura visual

En una cultura de la multipantalla que facilita la producción de imagen, queda rebasada la discusión sobre los efectos de las nuevas tecnologías en la fotografía de autor para dar lugar a una reflexión sobre la cultura visual en la sociedad donde registrar el instante ya es un hábito.

¿Cómo los artistas han adoptados las nuevas herramientas?, ¿hay línea divisoria entre la fotografía de autor y la amateur?, ¿qué es cultura visual? Son algunos planteamientos de fotógrafos que ven un crecimiento exponencial en la producción de imagen sin que esto signifique un mayor valor estético.

“Ahora es muy fácil tener acceso a hacer una imagen y verla de inmediato, pero estar preparado para hacer una imagen monumental, universal, pues no. La revolución es el cambio de concepción de la imagen y plantear qué se puede hacer a partir de eso”, expone Gerardo Montiel Klint, quien participará como profesor en el Seminario de Fotografía Contemporánea 2013, organizado por el Centro de la Imagen y el Centro de las Artes de San Agustín Etla, Oaxaca.

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