Amidakuji, de Alex Dorfsman

Amidakuji es un juego tradicional japonés en el que se crean relaciones de pares al azar entre dos conjuntos, siempre y cuando cada uno de ellos contenga el mismo número de piezas. Alex Dorfsman retoma este ejercicio lúdico para estructurar su libro; el lector crea sus propias combinaciones, pero con una libertad pensada,  a través de tonos, formas, colores, contrastes y similitudes. El azar y la traducción resultan piezas claves para entender la composición.

El lector además encontrará una pequeña guía de cómo debe ser leído: en las páginas izquierdas está la traducción literal correspondiente a la imagen de las páginas derechas; al final, se incluye una serie de notas, una especie de glosario para la mayor comprensión de las traducciones.

Amidakuji retrata el viaje que hace Alex Dorfsman a un lugar desconocido. La mirada que convive con letras indescifrables en forma de anuncios, empaques o postales que pasan desapercibidas por el contacto cotidiano. El interés del artista por la caligrafía japonesa lo ha orillado a  recuperar y resignificar la palabra a través del desprendimiento de su significado y de poner atención en su calidad formal y compositiva.

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Casita de Turrón, fotolibro de Roberto M. Tondopó

El trabajo del fotógrafo mexicano Roberto M. Tondopó es el protagonista del nuevo lanzamiento editorial de La Fábrica, en coedición con Fundación Televisa, Hydra, FONCA Coinversiones, UNICACH y Coneculta-Chiapas. El libro recoge la serie Casita de Turrón, más de 90 fotografías a color protagonizadas por sus sobrinos Andrea y Ángel, y realizadas en su mayoría entre 2009 y 2014 en Tuxtla Gutiérrez, Chiapas.

En la serie, el autor explora los tumultuosos capítulos que se viven en el paso de la niñez a la adolescencia buscando la fusión entre la mirada infantil y la perspectiva adulta para llegar a la unión de su imaginario, la lucha por su independencia individual y la construcción de su identidad. Lo hace a través de imágenes de gran colorido que se plasman en un libro lleno de texturas y sensaciones. El fotógrafo recrea escenas que combinan realidad y ficción a través de «una combinación de información directa y enigmas para que la imagen pueda ser el umbral de una historia que espera ser contada» y en ellas busca una implicación emocional.

El volumen incluye con un cuadernillo compuesto por una serie de textos realizados por el fotógrafo entre los años 2008 y 2014. Un total de 29 escritos que siguen una composición arbitraria. Estos se suceden en el papel a modo de pequeñas reflexiones y sucesos autobiográficos que nos adentran nuevamente en un mundo entre la niñez y la adolescencia.

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Espacio y realidad

El artista mexicano Mauricio Alejo inició su carrera artística en la fotografía, para posteriormente integrar videoarte e instalación en su obra. Ha exhibido individualmente en: Nueva York, Japón, Canada, París y México.

Alejo desde sus inicios detectó una constante en su investigación fotográfica: la relación entre la fotografía y la realidad. Con ello surgían varias interrogantes: ¿Qué tipo de signo es la fotografía? ¿qué significa la fotografía en la construcción de la memoria colectiva? ¿cómo se ve el mundo cuando cerramos los ojos? ¿cómo existen para cada persona las cosas? Los cuestionamientos en torno a lo real y la percepción han sido una constante en su producción artistica.

Su trabajo se relaciona con lo escultórico y el espacio, espacios físicos que trascienden a espacios mentales, una relación entre lo arquitectónico, el espacio real y los recovecos creados en nuestra imaginación.

«Entre más primaria es la sorpresa, más elemental, menos elaborada, me siento más satisfecho con el trabajo que estoy haciendo. Mucho de mi trabajo es una transgresión elemental al discurso diario a todo este armazón, como una sintaxis de las cosas diarias, como la poesía que de repente traiciona a las palabras y renueva el uso del lenguaje, yo creo que renueva la relación con la vida» – Mauricio Alejo

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Coleccionista de imágenes

La mayoría de las colecciones privadas de obras de arte suelen ser una especie de acumulación de nombres consagrados y conocidos fáciles de comercializar. Pero ese no en el caso de este coleccionista de imágenes anónimas.

Frente a un pelotón de más de 300 cámaras fotográficas alemanas, rusas, estadunidenses y hasta de un país ya disuelto: Checoslovaquia, Ildefonso Acevedo asegura que si hay algo a lo que no se resiste es a los objetos cuya autoría es anónima. Son esas obras, tal vez, y no las de las firmas reconocidas, las que le permiten convertirse aunque sea por unos instantes en un completo voyeurista.

«El anonimato te permite estar viendo las intimidades que tuvo otra persona, ver los sitios que visitó, la gente con la que se rodeaba. Es como meterte en su vida sin estar predispuesto por lo que sabes del autor, de la persona que tomó la fotografía«, explica Ildefonso Acevedo.

Tras más de 20 años con esta obsesión por rescatar y recolectar, en las paredes de su casa, su oficina o en algunas de sus bodegas se pueden contabilizar más de 100 mil objetos, la mayoría fotografías. A la hora de hacer un listado mental sobre su fototeca, el despliegue de personajes va desde las imágenes realizadas en bromuro de plata por el fotógrafo viajero Charles B. Waite, hasta una serie de 45 fotografías que el francés Alfred Briquet tomó en la construcción del ferrocarril a Veracruz de 1872 a 1876. En su acervo también desfilan miradas como la de Mariana Yampolski, Héctor García, Rodrigo Moya, Gabriel Orozco, el checo Miró Svolik o hasta del padre de Frida Kahlo, Guillermo Khalo.

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Exploraciones de la piel

El Colectivo Alquimistas Contemporáneos de Zacatecas, realiza una exposición homenaje al fotógrafo y maestro Eduardo Román Quezada quien:

“Fue un privilegiado conocedor de los secretos de la luz. Como pocos, entendió las infinitas posibilidades que ofrecen las múltiples gradaciones que van del blanco al negro, y la vasta posibilidad de los colores en la búsqueda de la materialidad, la textura y la forma.”

La exposición que se presenta en el Museo Zacatecano son imágenes que sugieren la carnalidad del cuerpo, texturizadas por el efecto de la técnica con papel salado. Los autores, cada uno con sus temas y búsquedas, ofrecen sus creaciones en agradecimiento póstumo a quien en vida promovió y dio forma a la educación fotográfica formal en el estado. Román Quezada por 26 años (1976-2002) estuvo al frente del taller de fotografía de la UAZ, del que egresaron cientos de fotógrafos y fotógrafas.

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Formalizan donación del acervo Irmgard Weitlaner Johnson al Centro San Pablo

La donación de la colección Irmgard Weitlaner Johnson a la Biblioteca de Investigación Juan de Córdova del Centro San Pablo, perteneciente a la Fundación Alfredo Harp Helú Oaxaca, se formalizó ayer por Kirsten Jean Johnson, hija de la investigadora de origen estadunidense.

El acervo incluye más de 6 mil fotografías, unos 3 mil negativos, unas 8 mil transparencias y mil 71 placas, entre otros documentos. Ha sido calificada como una de las más grandes y completas investigaciones sobre la diversidad textil en el país.

María Isabel Grañén Porrúa, presidenta de la fundación, celebró esa donación que, dijo, es un proyecto que se trabaja desde hace un par de años. Destacó que el material estaba en la ciudad de México, donde era estudiado y catalogado por la asociación civil Apoyo al Desarrollo de Archivos y Bibliotecas de México (Adabi), tras lo cual fue traído a la ciudad de Oaxaca para su entrega.Estas piezas son más que invaluables y son donadas en su totalidad a cambio de absolutamente nada, por lo que agradeció la generosidad de la familia Weitlaner Johnson.

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62 fotografías de Juan Rulfo por amor al ferrocarril

Juan Rulfo (1917-1986) se enamoró del ferrocarril en los años 50 de la centuria pasada y así lo demuestra el libro En los ferrocarriles, que compila 62 fotografías captadas por el autor dePedro Páramo y El llano en llamas, con al menos 30 gráficas inéditas que se reúnen por primera vez, entre otras poco conocidas.

En este álbum o catálogo fotográfico, se pueden apreciar los paisajes que reflejan un México de su tiempo, visto desde las estaciones de Nonoalco, Tlatelolco, Peralvillo, Tacuba y Tlatilco, detalló a Excélsior Víctor Jiménez, director de la Fundación Juan Rulfo.

Este romance hizo que el narrador incluyera al ferrocarril en la versión del cuento Paso del Norte, publicada en 1953, así como en la escena del descarrilamiento del tren en su cuento El llano en llamas, lo que podría ser poco significativo, pero sí demuestra su afecto por el
ferrocarril.

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Ojo en rotación: Sarah Minter

Sarah Minter figura como una de las pioneras de la práctica cinematográfica experimental de México a pesar de la predominancia del género masculino en la misma. Proveniente de un periodo de experimentación escénica que provocó una poderosa impronta en ella, eligió y adoptó a la imagen en movimiento como el lenguaje, periplo que arrancó a inicios de los años ochenta y en el cual se mantiene activa hasta la fecha. Su vínculo con el video proviene de una necesidad por encontrar un medio flexible, práctico y económico que le permitiera libertad al momento de producir y editar, características que la práctica cinematográfica difícilmente permite. Minter es un agente ligado al desarrollo del videoarte en México no solo por su propia producción, sino también por su involucramiento con la práctica docente en torno al video y su constante participación como jurado en festivales y concursos.

Ojo en rotación: Sarah Minter, imágenes en movimiento 1981-2015 es la primera exposición retrospectiva de esta artista donde se reúnen 14 piezas (videos y videoinstalaciones) acompañadas de un programa de cine donde se concentran la mayor parte de sus largometrajes. Puede decirse que su obra  suele estar atravesada por una mirada de carácter afectivo que expresa un particular interés por las relaciones del individuo con lo social, lo político, la urbe, el cuerpo y el goce. Minter disfruta de observar diversos momentos cotidianos para procurar captarlos, a veces para re-semantizarlos y otras veces simplemente para dejar que las imágenes pasen a través de su ojo/cámara.

Sarah Minter (Puebla, México, 1953) es una figura clave del videoarte mexicano. Inició su carrera realizando películas en 16mm a principios de los años ochenta entre las que destacan San frenesí (1983), Nadie es Inocente (1987), Alma Punk (1991-1992) y El Aire de Clara (1994-1996). A partir de los años noventa, de manera paralela a su producción artística, impulsó diversas iniciativas pedagógicas y de difusión en torno al video como “La sala del deseo” en el Centro de la Imagen y el Taller de video en la Escuela de Pintura, Escultura y Grabado, La Esmeralda. Su obra se ha exhibido en México, Cuba, Estados Unidos, Alemania, España, Argentina, Perú, Francia entre otros. Ha sido premiada por instituciones como la Fundación Rockefeller, la Fundación MacArthur, la Angelica Foundation, el FOPROCINE y el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes y ha fungido como jurado del programa Media Arts de la Fundación Rockefeller, de la Fundación MacArthur y del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en la cual es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

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Cartier-Bresson pecaba de naturalidad

Escenas repletas de un ambiente surrealista natural en calles de los años treinta es lo que Henri Cartier-Bresson captó para conectarse con México. Sus recorridos por lugares como La Lagunilla y La Merced, su andar por Oaxaca y Puebla, así como su entrañable amistad con personajes como la novelista Lupe Marín y el también fotógrafo Manuel Álvarez Bravo, fueron testigos de la gran capacidad que el fotógrafo francés tenía al tomar el momento efímero en que la importancia del tema se daba a conocer en la forma, el contenido y la expresión; era para Cartier–Bresson, la composición perfecta.

Su pasión por el arte despertó desde muy joven. Se enamoró de la cámara y la pintura en 1920, época en la que pintaba lienzos en donde se notaba la influencia de los artistas Marx Ernst y Paul Cézanne. Ya con su Leica, el considerado por muchos como el “padre del fotorreportaje”, llegó a cubrir de negro las partes niqueladas de su cámara para pasar inadvertido por prácticamente todo el mundo. Estaba en el punto exacto de la escena, ni un minuto antes ni uno después, las instantáneas simplemente pecaban de naturalidad.

Junto con sus amigos y fotoperiodistas Robert Capa, David Seymour, William Vandivert y George Rodger, decidió fundar la agencia Magnum. El objetivo era tener un espacio de creación que no estuviera sometido a las ataduras convencionales del periodismo que no podía ser subjetivo, o del arte que no podía ser objetivo.

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Abrir la noche

El ganador del Concurso de Fotolibro Iberoamericano 2013, Mark Alor Powell, nos platicó de la obra con la cual obtuvo el primer lugar

El libro Open at Noon de Mark Powell fue ganador del cuarto Concurso de Fotolibro Iberoamericano 2013, que anualmente  organiza la Editorial RM. Las 35 fotografías que reúne fueron capturadas en distintos lugares de Latinoamérica y en ellas se muestra un mundo realmente inquietante. Te dejamos nuestra entrevista con él.

¿Cómo definirías a “Open at Noon”?

Creo que es un libro de foto directa, a color y de paso.

¿Por qué retratar América Latina?

Yo salí de la ciudad (Detroit, Michigan) para encontrar mi sueño mexicano, hay sueño americano, pero ¿por qué no hay sueño mexicano? Muchos artistas vienen aquí para conocer el trabajo porque esta región ha tendido esa capacidad de cambio.

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