Archivos Mensuales: junio 2014

Boris Kossoy (São Paulo, Brasil, 1941)

Boris Kossoy

Boris Kossoy estudió Arquitectura y es doctor en Ciencias Sociales. Desde muy joven, la fotografía fue uno de sus intereses creativos e intelectuales. Participó como fotógrafo invitado a la Primera Muestra de la Fotografía Latinoamericana Contemporánea (México, 1978). Su obra fotográfica se encuentra en las colecciones de la Casa George Eastman-Museo Internacional de la Fotografía y el Cine de Rochester (Nueva York); el Museo Metropolitano de Arte y el Museo de Arte Moderno (Nueva York); el Instituto Smithsonian (Washington); la Biblioteca Nacional (París) y el Museo de Arte de São Paulo. Ha realizado una relevante labor de investigación sobre la historia de la fotografía, de la que se cuenta con una edición publicada en español del libro Hércules Florence. El descubrimiento de la fotografía en Brasil (Conaculta/INAH, 2004). En su ya clásico libro Fotografía e historia (Ática, 1988) reflexiona teóricamente sobre la expresión fotográfica como fuente de investigación y en Realidades e Ficções na Trama Fotográfica (Ateliê, 1999) propone diversas metodologías para su análisis iconográfico. Por el conjunto de su obra, el Ministerio de la Cultura y Comunicación de Francia le otorgó la distinción Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres, en 1984. Actualmente se desempeña como profesor titular del Departamento de Periodismo y Producción Editorial de la Escuela de Comunicaciones y Artes de la Universidad de São Paulo.

Foto: Portrait, Brasil, 1972.  Archivo Centro de la Imagen/Fondo Consejo Mexicano de Fotografía.

Publicado en Luna Córnea 34. Viajes al Centro de la Imagen II. De venta en librerías Gandhi, Educal y Fondo de Cultura Económica

En remodelación, Centro de la Imagen seguirá en oferta

Centro de la Imagen

El Centro de la Imagen, a pesar de iniciar con trabajos de remodelación en septiembre, continuará con sus proyectos culturales con los que refrenda su compromiso como centro de estudio y difusión de la fotografía.

Itala Schmelz, directora del espacio fotográfico, mencionó que ante la proximidad de los trabajos de embellecimiento, para los que se cuenta con un presupuesto de 60 millones de pesos, el espacio a su cargo sigue con la planeación de la Bienal de Fotografía y la publicación de la revista Luna Córnea. Detalló que el primero de los eventos que albergará el Centro de la Imagen será la Bienal, la cual se realizará en noviembre.

“Recibimos alrededor de 700 trabajos, de los cuales ya se hizo una presentación, por lo que el jurado está próximo a definir a los ganadores y las menciones, entonces trabajaremos con dos curadores Magnolia de la Garza y Mauricio Alejo para preparar las muestras que se exhibirán,” aseguró la directora. “Estas exposiciones”, detalló, “viajarán por el país, iniciando su exhibición en la Fototeca de Nuevo León, Monterrey, y luego el Clavijero en Morelia”. Después una de las muestras se presentará en Sinaloa, y la otra en Acapulco, Guerrero.

“Para mí es muy importante la presencia de la Bienal en el interior de la República, porque de esos 700 trabajos hay presencia de casi todos los estados, solamente faltaron: Campeche, Quintana Roo y Baja California, entonces nos parecía que esta oportunidad de que la Bienal circule es fundamental y muy oportuna”, afirmó.

Otra de las actividades importantes que alista el Centro de la Imagen y que albergará el Centro de las Artes de San Luis Potosí, con quienes ya se ha colaborado en anteriores ocasiones, es el III Encuentro Nacional de Investigación sobre Fotografía, con una duración de tres días, que se realizará para finales de agosto.

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Las amorosas más bravas, por Magali Tercero

Benedicte Desrus

Bénédicte Desrus es una joven fotógrafa francesa que conocí gracias al libro Las amorosas más bravas, con poderosas imágenes suyas y crónicas y entrevistas de la periodista y narradora mexicana Celia Gómez Ramos. Ya me he referido al libro en otros espacios, elogiado la calidad de la investigación y la escritura de Gómez Ramos y comentado que las ganancias obtenidas con la venta de la edición irán a parar a la Casa Xochiquetzal, hoy en peligro, donde viven las protagonistas del libro: ancianas prostitutas que carecen de hogar. Hoy toca hablar del trabajo de Desrus, residente en México desde hace tiempo. Ella es la autora del conocido retrato de una mujer obesa ataviada con ropa interior de color rojo. Sentada en una banca, mientras se hace un pedicure, la modelo se esfuerza para alcanzar su pie izquierdo. Ni la fotógrafa ni ella ocultan los pliegues de carne de su vientre o de sus piernas. Concentrada en su tarea, la retratada parece decirnos: “Esta soy, ¿y?”

GLOBESITY  En otra imagen aparecen dos amantes —hombre y hombre sobre una cama—. Uno lleva una camiseta naranja y otro una playera blanca, lo cual, contradictoriamente, los carga de erotismo. El gesto amoroso del segundo nos habla, cuando sostiene la cabeza de su compañero, no solo de ternura mutua sino de confianza en la fotógrafa. ¿Es relevante informar al lector que los modelos son de raza negra? Quizá sí, quizá no. Importa, en cambio, decir que sostienen una relación en la vida real. Y es que el trabajo de Desrus, el que conozco, no es docu–ficción, como se le llama a la fotografía construida (vertiente que me atrae últimamente). La autora obtuvo hace poco el Premio Revela 2014, además de otros reconocimientos, con su trabajo sobre temas como la Santa Muerte en México, la obesidad en el mundo, en “Globesity”, la crítica política en Honduras o la música de Nueva Orleans (http:// benedictedesrus.photoshelter.com). Tal como hace en “Globesity”, Bénédicte Desrus muestra en su trabajo para Las amorosas más bravas cierto ánimo expresionista desarrollado desde una estética personal y muy poderosa. Allí mira y fotografía, sin piedad, la decadencia física de las viejas prostitutas, retratadas desde una gran empatía por los despojados de la tierra.

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Katia Horna y su legado en la fotografía mexicana

 

Kati Horna

Pedro Friedeberg disfrazado de cebra, Leonora Carrington en su casa, niños de Budapest antes de la Guerra Mundial o los milicianos de la Guerra Civil Española, son algunas imágenes que forman parte del archivo personal de Kati Horna, fotógrafa húngara que llegó al país en la década de los 30 para incorporar al surrealismo mexicano las técnicas del fotomontaje y fotocollage.

Con más de 20 mil negativos y 3 mil impresiones originales, este acervo que comparte México, España y Francia, se revisó por primera vez en el país para editar el catálogo Kati Horna, el cual reúne 130 imágenes, de las que un 75% son inéditas.

Algunos ejemplos de estas fotografías son las pertenecientes a la series: Cafés de París tomadas en 1935, Hitlerei tomadas en Francia en 1937 y los fotomontajes de la Guerra Civil española tomadas en Barcelona durante 1937.

“Quisimos mostrar la travesía de una mujer que llega a México proveniente de una Europa en guerra y de una Europa que gestó la vanguardia en la fotografía. Kati llegó con ese bagaje y alimentó a la fotografía mexicana a partir de diciembre de 1939”, señaló José Antonio Rodríguez, curador del Museo Amparo.

Kati Horna (1912-2000) nació en Budapest y tras el periodo de entreguerras, salió de su país para llegar a Francia,  donde ejerció su oficio. Después se trasladó a España para fotografiar la Guerra Civil y tuvo que exiliarse en México, donde vivió hasta su muerte.

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UNESCO reconoce acervo de imágenes aéreas del país

ICA

En 1985, cuando la empresa Ingenieros Civiles y asociados (ICA) adquirió la compañía Mexicana de Aerofoto, advirtió que, además de los bienes de la franquicia estadounidense, llegaba a sus manos un valioso tesoro: el acervo fotográfico de los sobrevuelos que desde 1930 comenzó a realizar sobre gran pare del territorio nacional.

Con el tiempo, ese archivo se enriqueció con las imágenes y planos que la compañía dedicada a la construcción de infraestructura obtuvo hasta 1994, cuando el gobierno mexicano decidió centralizar en el INEGI el estudio de la topografía aérea. Ahí concluyó una etapa de la aerofotografía, pero su historia, y la de gran parte del país, quedó plasmada en los casi 800 mil negativos y planos que actualmente resguarda la Fundación ICA.

Por su valor patrimonial, ese acervo  denominado Fondo de Fotografía Aérea de Fundación ICA, que resguarda imágenes tomadas desde el aire entre 1930 y 1990, será incluido dentro del programa de la Memoria del Mundo de México que impulsa la UNESCO.

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Mazda Perez (São Paulo, Brasil, 1944)

Mazda Perez

Estudió Fotografía en la escuela Enfoco y, en 1972, realizó un curso de cinematografía en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro. Tres años después comenzó a dedicarse de manera exclusiva a la fotografía. Trabajó como fotógrafa independiente en el Diário de São Paulo, Jornal da Tarde, Versus, BBC y TVC de Londres. En 1977 su obra fue expuesta en la Bienal de São Paulo. Un año después envió a México algunas fotografías para la Primera Muestra de la Fotografía Latinoamericana Contemporánea, que fueron seleccionadas para exhibirse en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. En 1979 obtuvo el premio Melhor Fotografia da Associação Paulista de Críticos de Arte de São Paulo. A partir de la década de 1980 comenzó a dedicar mayor tiempo a la pintura.

Foto: De la serie Santeiros-Fazedores de Milagres, 1977. Archivo Centro de la Imagen/Fondo Consejo Mexicano de Fotografía.

Publicado en Luna Córnea 34. Viajes al Centro de la Imagen II. De venta en librerías Gandhi, Educal y Fondo de Cultura Económica

Francisco Mata Rosas lleva muestra a Alemania

Francisco Mata

El tema de la frontera entre México y Estados Unidos es abordado por el fotoperiodista mexicano Francisco Mata Rosas, en su exposición La línea, que se presenta en la ciudad bávara de Regensburg. La muestra está acompañada de la exhibición de documentales de cine y de conferencias sobre el tema de la frontera norte, lo que permite profundizar en el tema.

Antonia Kienberger, portavoz del festival CineEscultura, declaró que la exposición ha tenido una amplia participación del público y que a pesar de ser verano una estación en la que los alemanes prefieren estar al aire libre, ha sido muy concurrida.

El público reaccionó con entusiasmo y con consternación ante la serie de 25 fotografías: “entusiasmados por la calidad y la intensidad, y consternación por la vida de esas personas y su esperanza indestructible en medio de la miseria”, dijo Kienberger.

Francisco Mata Rosas, quien estuvo presente en la inauguración el 6 de junio y sostuvo un intercambio de opiniones con el público, para Kienberger es uno de los periodistas gráficos más conocidos en el mundo y sus imágenes cuentan con una fuerza, que reside en su empática cercanía a las personas que retrata.

En la exposición se pone de relieve que Francisco Mata Rosas presenta el mundo de quienes esperan poder cruzar la frontera entre la pobreza y la riqueza. Al mismo tiempo se muestra que a lo largo de esa demarcación ha surgido un tipo especial y peculiar en donde: se ama, se consume droga, hay muerte y enfermedad, donde hay alegría y sobre todo la esperanza tenaz e imbatible de alcanzar una mejor vida a la actual.

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Claudia Andujar (Neuchatel, Suiza, 1931)

Claudia Andujar

Tras pasar la primera parte de su niñez en Rumania y Hungría, Claudia Andujar emigró a Brasil en 1955. En sus inicios fotográficos experimentó con su gusto por la plástica del cuerpo humano, en especial del cuerpo femenino. En 1964 se acercó a la fotografía documental con un proyecto sobre la vida de los indios carajá de la región central de Brasil, aproximación que continuó en 1965, con un trabajo sobre los indios bororo. Sus imágenes se publicaron en revistas como Life, Time, Look, Fortune, EsquireAperture. A partir de 1974, su carrera tomó un giro radical cuando se trasladó a vivir con un grupo de indios yanomami de la región norte de Brasil, experiencia de la que surgieron penetrantes ensayos fotográficos auspiciados por una beca de dos años de la John Simon Guggenheim Foundation. Producto de esa estancia fue su libro Yanomami–Frente ao Eterno (Praxis, 1978) y la serie Uma Visã o dos Índios Yanomami, que envió a la Primera Muestra de la Fotografía Latinoamericana Contemporánea de 1978. Con el tiempo, su trabajo fotográfico se vinculó con la lucha por los derechos indígenas, con la intención de hacer un llamado de atención sobre el genocidio ocurrido en aquellas tierras. Participó activamente en la Comissão Pro-Yanomami-CCPY y tras una campaña de quince años, en 1992, el gobierno brasileño demarcó casi cien mil kil.óetros cuadrados como territorio para los once mil yanomami sobrevivientes. Su libro Yanomami: The House, The Forest, The Invisible da cuenta de esta épica por la preservación de su cultura y sus territorios. Entre otras importantes colecciones, su obra se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en la Casa George Eastman-Museo Internacional de la Fotografía y el Cine de Rochester y en el Museo de Arte de Amsterdam. Actualmente vive en S.o Paulo, pero pasa largas temporadas con los yanomami; continúa organizando exposiciones y desea concretar un centro cultural yanomami.

Foto: De la serie Uma Visão dos Índios Yanomami, Roraima, Brasil, 1976-1977. Archivo Centro de la Imagen/Fondo Consejo Mexicano de Fotografía.

Publicado en Luna Córnea 34. Viajes al Centro de la Imagen II. De venta en librerías Gandhi, Educal y Fondo de Cultura Económica

Luiz Cláudio Marigo (Rio de Janeiro, Brasil, 1950)

Luiz Claudio Marigo

Luiz Cláudio Marigo abandonó la carrera de Economía y Filosofía para dedicarse a la fotografía. Comenzó fotografiando escenas de la ciudad y su gente, sin embargo, en 1975, su colaboración con la Editora José Olympio en el pantanal de Mato Grosso supuso un viraje de su enfoque hacia la naturaleza, lo cual desembocó en el proyecto que realizó como fotógrafo de Amanã  y Mamirauá (decretada como reserva por el gobierno de Brasil gracias a la propuesta hecha por él y por el biólogo José Márcio Ayres). Actualmente es reconocido en Brasil y en el extranjero como uno de los mayores especialistas en el rubro de la fotografía de naturaleza. Es autor e ilustrador de los siguientes libros: Jardins e Riachinhos (1983); Mata Atlántica (1984); Pantanal (1985); Chapada Diamantina (1986); Banhados (1986); Ecossistemas Brasileiros (1988); Amazonas: Pátria das Águas (1990); Borboletas (1990); Aves de Carajás (1991); Floresta Atlántica (1992); Borboletas de Carajás (1992); Bromélias na Natureza (1993) y As Matas da Várzea do Mamiru. (1993).

Foto: Músico de Rua, 1976. Archivo Centro de la Imagen/Fondo Consejo Mexicano de Fotografía.

Publicado en Luna Córnea 34. Viajes al Centro de la Imagen II. De venta en librerías Gandhi, Educal y Fondo de Cultura Económica

Stefania Bril (Gdansk, Polonia, 1922-São Paulo, Brasil, 1992)

Stefania BrilStefania Bril estudió Ciencias y Química en Bélgica. En 1955, cinco años después de su llegada a Brasil, obtuvo la nacionalidad brasileña. Su primer contacto con la fotografía fue en 1969, a través de un curso en la escuela Enfoco. Como fotógrafa profesional fue responsable de la creación de los Encontros de Fotografia de Campos de Jordão (São Paulo, 1978 e 1979). En 1990, con el apoyo de Fuji Film de Brasil, inauguró. la Casa de la Fotografía Fuji, la cual coordinó hasta el año de 1992. Publicó los libros de fotografía Entre (1974), A Arte do Caminhão (1981), y una colección de ensayos llamado Notas (1987). Divulgó la fotografía brasileña en el exterior en eventos como el Coloquio Latinoamericano de  de Fotografía en México, el Mois de la Photo y el Brasil des bresiliens en Francia.

– Foto: O Homem no Puodrado de Cimento, de la serie Paisagem Urbana, Sao Paulo, 1972.  Archivo Centro de la Imagen/Fondo Consejo Mexicano de Fotografía.

Publicado en Luna Córnea 34. Viajes al Centro de la Imagen II. De venta en librerías Gandhi, Educal y Fondo de Cultura Económica